Parcours Claude Monet : du Talut au Rocher du Lion via les aiguilles et Kervilahouen

Le site

Port Domois attire Monet : le site n’est pas très éloigné de Kervilahouen où il réside depuis le 14 septembre 1886, et ce cirque de rochers cernés par la mer lui offre un motif qu’il reprend dans 5 des 39 tableaux qu’il a peints à Belle île. De nos jours, il n’est pas facile de retrouver l’endroit exact où Monet a placé son chevalet : on voit bien qu’il n’a pas pu descendre jusqu’au niveau de l’eau - la pente est dangereuse - et la végétation actuelle, épineuse et dense, rend actuellement difficile l’accès à un endroit qui était peut-être plus dégagé en 1886.

Les tableaux

Ces deux toiles présentent un cadrage identique : Monet a donc posé son chevalet au même endroit, légèrement en hauteur par rapport au niveau de la mer.

Le plateau délimite l’horizon, très haut placé sur la toile, et toutes les autres lignes marquent la forte emprise des rochers sur le paysage.

Au premier plan, deux rochers, dont les lignes forment comme un écrin qui s’ouvre sur le paysage dont on retrouve les mêmes éléments dans les deux tableaux : la Roche Guibel qui, si elle n’est pas au centre de la toile, attire néanmoins le regard ; à l’arrière-plan, des falaises verticales, massives, dominent le paysage avec leurs lignes géométriques reprenant les obliques des rochers du premier plan et enfin, unissant le tout, la mer, bleue, verte et blanche…
Mais quelle différence entre ces deux tableaux… Dans l’un (W 1107), les touches sont légères, la lumière domine. La seule masse sombre du rocher de gauche, au premier plan, rend encore plus lumineuses les couleurs du rocher de droite, auxquelles répondent celles des falaises de l’arrière-plan. La roche Guibel, sombre et lumineuse à la fois, est comme le trait d’union entre ces deux masses. Les touches de bleu foncé des falaises donnent du relief à la roche, et se retrouvent dans les petites touches horizontales de la mer au premier plan.
Dans l’autre tableau (W 1109), l’ocre foncé domine, et impose sa sombre couleur à l’ensemble : la lumière a disparu, les rochers forment un bloc compact et la mer, représentée par des touches nerveuses où le blanc de l’écume part à l’assaut des rochers, dénote un paysage secoué par le vent.

Monet, peintre de l’instant.

Un même motif, donc, mais deux tableaux bien différents, où s’exprime l’intention de Monet.
Ce qui l’intéresse, ce n’est pas de nous faire découvrir un paysage ; c’est de montrer ses métamorphoses sous l’effet de la lumière.
Monet a d’abord été décontenancé par les paysages de Belle île, par la rudesse de la côte et la brutalité des tempêtes, si fréquentes en automne. Lui qui voudrait « peindre comme l’oiseau chante » doit affronter des paysages dont la puissance le surprend « la mer me donne un mal terrible » écrit-il le 4 octobre 1886 à Alice Hoschedé. Dans sa tentative permanente de saisir l’instant, il parvient à « [se] mêler plus intimement à la nature », en saisissant tous les reflets de la lumière sur les rochers, en exprimant par la variété de ses touches les changements perpétuels de la mer. La précision de son regard et la puissance de son geste réinterprètent sans cesse cet éternel face à face de la roche et de la mer.

Une pochade pour se « désennuyer »

« Je me sens mal lorsque je suis forcé de rester dans ma chambre ; j’ai de suite mal à la tête et j’étouffe de chaleur ». À plusieurs reprises dans sa correspondance Monet revient sur ces malaises, en plus de ses regrets de ne pouvoir continuer les tableaux commencés. Le 9 octobre, alors que la tempête se déchaîne sur la côte, il écrit : « pour me désennuyer, j’ai peint un « effet de pluie », une pochade ». Le 12, il évoque à nouveau cette activité.

Un rare paysage habité

Cette « pochade », tableau exécuté rapidement, non signée, est un dépôt du musée d’Orsay fait au musée de Morlaix, de format carré. Le sujet est rare, sur les trente-neuf tableaux peints pendant son séjour bellilois, seulement trois montrent un paysage habité.

Depuis la fenêtre située à l’arrière de sa chambre, il représente le village du Petit Cosquet et son moulin qui existe toujours, sur la gauche de la route qui mène à Donnant. La nudité du plateau contraste avec le paysage actuel reboisé dans les années 1970.

La pluie tombe en longues touches obliques, traversant un ciel immense, bas, gris, plombé, qui occupe plus de la moitié du tableau. Le paysage, traité en couleurs tendres, en nuances douces semble s’éloigner derrière ce rideau de pluie. Les quelques maisons au loin sont rapidement esquissées dans une tonalité bleutée très atténuée. Une douce mélancolie se dégage de ce tableau de pluie dans lequel ne se ressent pas le malaise du peintre, furieux de rester enfermé dans sa chambre.

Le choix du «motif»

Dès son arrivée à Kervilahouen, Monet part à la recherche de ses « motifs ». Suivons avec lui un chemin qui l’amène sur le sentier côtier où il retient le site des aiguilles de Port Coton, qu’il appelle « pyramides », lieu seulement fréquenté par quelques pêcheurs locaux, et dont il va faire 6 tableaux.
Ces aiguilles rocheuses lui rappellent sans doute ses séjours à Etretat, le dernier remonte au printemps précédent. Son œil s’est aussi aiguisé dans l’observation de sa très belle collection d’estampes japonaises dont la révélation a contribué à révolutionner la peinture de son temps.

Une vue plongeante du haut de la falaise

Le peintre a posé son chevalet sur la falaise d’où il conjugue deux points de vue : d’une part, le point de vue plongeant, japonisant, très prisé chez les impressionnistes, et d’autre part, la perspective colorée, plus classique, depuis les touches sombres et nerveuses des premiers plans jusqu’aux lointains calmes aux touches plus douces. Le ciel se trouve réduit à une étroite bande horizontale au rendu très fluide.

Dans ces trois tableaux, la grande pyramide se dresse légèrement à gauche de la toile. Sa verticalité, soulignée par le rocher voisin, impose sa force et sa puissance. Les petits rochers s’alignent le long d’une oblique qui va de la gauche vers la droite. Leurs contours parfois soulignés d’un cerne, sont très fidèles à la réalité.

Toujours à marée haute, « une mer inouïe de ton » est rendue par des touches horizontales, nerveuses ou douces, épaisses ou légères, dans une déclinaison colorée d’une grande richesse.

Les tableaux du musée Pouchkine (W1084) et du musée de Copenhague (W1086) sont les plus sombres. Le premier déploie toutes les nuances de bleu turquoise et de gris-bleu qui unifient la mer et les rochers soulignés de quelques touches de vermillon à leur base. Ils émergent d’une mer agitée rendue par de vigoureux empâtements blancs.
Le second donne à voir une mer remuée d’écume, en longues touches horizontales blanches, mêlées à un bleu soutenu et à un vert vif, s’apaisant vers le fond du tableau. Bien que très sombre, l’énorme masse rocheuse du premier plan est traitée en petites touches très serrées, noires, bleues, mauves et une multitude de petites pointes chaudes, rouges, orangées, jaunes, combinaison que l’on retrouve sur les petits rochers qui l’entourent.

Une version plus lumineuse du site est proposée dans le 3ème tableau (W1087). La palette s’éclaircit en particulier sur la mer rendue en petites touches vives, bleues, blanches, légèrement rosées avec au loin, trois bandes vertes parallèles sous un ciel rose délicatement pommelé.

« Il me faut faire de grands efforts pour faire sombre », écrit-il le 23 octobre, « moi plus porté aux teintes douces, tendres...» Il exprimera cette douceur dans trois autres tableaux de Port Coton peints par temps ensoleillé.

Port Coton, symbole de Belle-Île

Le séjour de Monet à Belle-Île est connu par les expositions parisiennes mais aussi par de nombreux articles de critiques et amis, dont Gustave Geffroy qui l’a vu au travail sur la côte. Après lui, beaucoup d’artistes viendront peindre les mêmes motifs, guidés par le peintre australien John Peter Russell, rencontré un soir à l’auberge où Monet prend ses repas : «...en voilà encore un qui ne comprenait rien à ma peinture et qui maintenant est emballé...», écrit-il le 28 septembre. Russell fait construire en 1888 son manoir de Goulphar où il vivra vingt ans jusqu’à la mort de sa femme. En 1896, c’est au jeune Matisse qu’il transmet la leçon du « prince des impressionnistes». D’autres viendront rendre leur « Hommage à Monet », comme le signifie le titre d’un tableau de Vasarely de 1947, contribuant à faire de ces aiguilles de Port Coton, site touristique incontournable aujourd’hui, le symbole de Belle-Île, dont on peut dire que Monet aura été l’« inventeur ». Comme Rodin, nous pouvons dire en admirant ces lieux: « Ah que c’est beau… C’est un Monet...».

Peindre dans un «endroit abrité»

Alors que la tempête se déchaîne du 9 au 17 octobre 1886 et que le peintre ne supporte pas de rester dans sa chambre, il écrit à sa compagne Alice Hoschédé, qu’il a trouvé un « endroit abrité ». Il serait périlleux aujourd’hui d’essayer d’en retrouver l’emplacement dans la descente qui mène en contrebas.

La description du critique Gustave Geffroy permet d’imaginer dans quelles conditions il travaille, aidé du fidèle Poly, son porteur : « Il lui faut être vêtu comme les hommes de la côte, botté, couvert de tricots, enveloppé d’un « ciré » à capuchon. Les rafales lui arrachent parfois sa palette et ses brosses des mains. Son chevalet est amarré avec des cordes et des pierres. N’importe, le peintre tient bon et va à l’étude comme à la bataille ». Il s’agit bien d’une bataille avec les éléments, dont il dit espérer en sortir « vainqueur ». Et pour cela, dit Geffroy, « il pioche », « il turbine comme un ouvrier ». Un soir, Monet écrit qu’il est rentré « comme gris de vent », un autre jour, il a « reçu tant de grêle que ce soir la figure et les mains [lui] font encore mal et par moments [il craignait] que ses toiles ne soient crevées ».

Une mer déchaînée

Comment représenter cette furie, mot qui revient souvent sous sa plume ? La mer est furieuse, lui-même est furieux et il semble que son pinceau lui-même soit devenu furieux.
Seuls points fixes au milieu de ce déchaînement, les rochers cadrent solidement le tableau selon deux verticales et deux horizontales. Ils sont traités en petites touches serrées au premier plan, tandis qu’à l’arrière plan les deux masses horizontales s’estompent sous l’assaut des vagues.
Le regard est emporté par la houle qui agite en courtes touches ou en virgules colorées l’écume du premier plan, puis suit les longues obliques brossées au centre du tableau vers les tourbillons qui déferlent sur les rochers du fond. Le spectateur est ainsi placé au cœur de la tempête, comme si le peintre avait utilisé un zoom. Tous ceux qui l’ont côtoyé ont parlé de son « œil parfait », de son regard aigu, exceptionnel, qui pouvait accommoder de près, de loin. Rodin a exprimé son admiration pour lui en une formule abrupte : «Monet, un œil... mais bon Dieu, quel œil ! »
Le ciel et la mer se confondent dans une tonalité laiteuse, une symphonie de blancs délicatement teintés de gris, de bleus, de roses, de verts, comme si chaque touche captait une vibration lumineuse différente.
C’est avec les mots du langage amoureux que le peintre traduit son enthousiasme, son « énervement » devant un tel spectacle : « C’était une jouissance pour moi de voir cette mer en fureur », et il écrit à Alice : « je veux vous en faire jouir ». Si à d’autres moments, il se sent « impuissant » devant cette immensité de la mer, il en parle comme d’une amante : « cette mâtine de mer… je sens que chaque jour je la comprends mieux, la gueuse… Bref, j’en suis fou...»

Tradition et modernité

Longtemps, la représentation des flots déchaînés est restée associée aux naufrages. Mais dans ces tableaux de tempête à Belle-Île, aucune présence humaine, aucun navire en perdition. Monet ne manque cependant pas d’évoquer dans sa correspondance les sinistres et les drames humains dont il entend parler le soir à l’auberge de Kervilahouen : « À Quiberon, plusieurs bateaux de pêche se sont perdus corps et biens ; c’est terrible ». Le 27 octobre, toute l’auberge est dans l’inquiétude car des bateaux ne sont pas rentrés. Il participe aux recherches sur la côte avec les villageois et dit combien il « était difficile de retenir ses larmes ». Sa peinture n’en porte aucun témoignage, ce n’est pas son sujet. Il représente la tempête en soi, à l’état pur. Bien que lui-même soit toujours resté un peintre figuratif, il ouvre ainsi la porte à l’abstraction.

Le site

Le site de Goulphar a inspiré à Monet 12 des toiles qu’il a peintes à Belle Île, et, face à ce panorama grandiose, qui déroule sur plusieurs kilomètres une côte parsemée de rochers aux formes diverses, le regard ne sait où se poser. On comprend que Monet soit venu tant de fois poser son chevalet sur ce plateau qui domine la mer, et qu’il ait même entrepris de périlleuses descentes pour s’approcher de ces motifs et en changer les perspectives.

Les deux tableaux

Le point d’observation de ces deux toiles est légèrement différent : si l’on observe les différences de niveau entre le plateau horizontal de l’arrière-plan et le rocher pyramidal au centre du tableau, on voit dans l’un (W 1093), que Monet est descendu de quelques mètres, et il ne faut pas essayer de suivre sa trace…
Il a aussi modifié la composition de ses tableaux , dont les dimensions sont cependant rigoureusement identiques : dans l’un ( W 1093 ), les rochers sont aux 4 coins de la toile, et encadrent le rocher central, alors que dans l’autre (W 1095), par un saisissant effet de zoom, Monet opère un autre cadrage, en laissant l’eau occuper le premier plan, et en grossissant la masse rocheuse.
Toujours attentif aux jeux de la lumière, Monet évoque deux ambiances bien différentes dans ces deux tableaux : dans l’un (W1093), la lumière dorée qui semble venir de la droite illumine les parois rocheuses, soulignant en même temps les jeux de l’ombre, tandis que les légères touches bleu vert font circuler la mer entre les rochers : tout est calme, apaisé.
Quel contraste avec l’autre tableau (W 1095)… La lumière semble venir de l’horizon : sa clarté forme un contraste saisissant avec la masse sombre de l’arrière-plan, dont les lignes horizontales semblent fermer la vue. La touche est vigoureuse, les couleurs sont soutenues, et, au second plan, l’alternance des rochers et de la mer forme comme une frise où les triangles se succèdent. Le rocher, au centre de la toile, avec ses dégradés d’ocre et de vert, projette son ombre dans l’eau : là se retrouvent, inversés et agrandis, les triangles de la mer, où le vert et le bleu sont progressivement remplacés par des touches blanches.
Dans l’un et l’autre tableaux, Monet reste très fidèle aux formes des rochers : les crénelures, les découpes se retrouvent, identiques, dans les deux toiles. Son regard acéré, précis, ne change rien aux formes qu’il a choisi de représenter : seuls l’intéressent le cadrage et les jeux de lumière.

Monet, un regard...

Placé devant un panorama exceptionnel, où le regard peut se perdre, Monet nous montre toute sa maîtrise. Il travaille sur des toiles dont le format est limité, mais qui ne limitent en rien la puissance du tableau. Certes, il respecte scrupuleusement la composition de ses motifs, il observe et reproduit la moindre dentelure, la moindre fissure de ces rochers monstrueux ; la toile est « hardiment exacte » dira son ami et critique d’art Geffroy. Mais chaque toile aussi est unique… Le cadrage choisi donne de la profondeur au motif, et la précision des touches et des couleurs permet à Monet de fixer sur la toile l’impression unique du moment présent… Vous avez dit « impressionnisme » ???

Le site

A son arrivée à Belle île, le 12 septembre 1886, Monet débarque à Palais, mais il ne reste pas longtemps dans cette bourgade : il décide de se rapprocher de la côte, de la mer.
Ayant trouvé un hébergement à Kervilahouen, il s’y installe, et il se rapproche ainsi du sémaphore du Talut qui, à cette époque, permet d’envoyer et de recevoir des dépêches. Mais ce sont surtout les paysages grandioses, tout proches de son domicile, qui vont lui fournir l’essentiel de son inspiration, et en particulier cette roche percée, appelée Roche Guibel, à laquelle il consacre 8 de ses toiles.

Le tableau

Cette huile sur toile est en fait une simple esquisse, non signée. Les traits sont rapides, assez bruts ; Monet s’est contenté de placer les divers éléments de son motif et d’en renforcer les lignes géométriques. A la grosse masse oblique du rocher, au premier plan à droite, répond, à gauche, la ligne verticale d’une autre masse rocheuse, tandis que l’horizontale du plateau ferme le paysage. De larges touches présentent une mer calme et colorée de bleu et de vert, et l’horizon est placé très haut, comme dans tous ses tableaux de Belle île. La roche percée est l’élément principal de ce décor, et le trou de cette roche est très précisément au centre de la toile.

Si on compare cette toile aux 7 autres que Monet a consacrées à ce même motif, on voit que la roche Guibel est ici représentée sous un angle très différent. Il a posé son chevalet à l’extrémité du chemin qui part de Radenec. Ce point de la côte est diamétralement opposé à celui où il se placera pour peindre ses toiles plus abouties. On aperçoit au dernier plan, au bas du chemin évoqué par une épaisse ligne bleue, l’endroit où il s’installera pour peindre les 7 autres toiles.
Monet n’a pas précisément daté ses tableaux, mais rien ne nous interdit de penser que cette esquisse est la version préliminaire des 7 tableaux représentant la Roche Guibel.

Monet au travail

L’intérêt de cette esquisse est de montrer comment Monet travaille.

Nous avons peu de détails sur la façon dont il ébauchait ses toiles, mais cette esquisse nous apprend qu’il devait commencer par situer les plans, les masses, avec quelques touches de couleurs assez grossières, et de facture peu impressionniste.

Et pour Monet, le regard est essentiel : il ne se contente pas d’avoir trouvé un motif qui l’inspire, il lui faut aussi repérer le meilleur angle de vue, même si cela lui impose une longue marche... Ici, en effet, on voit qu’il a littéralement tourné autour de la Roche Guibel après l’avoir découverte, assez proche de Kervilhaouen. Monet est « empoigné » par ce motif, mais cela ne lui suffit pas, et il cherche à installer son chevalet à l’endroit qui lui permettra de mieux le représenter.

Nous pouvons l’imaginer, marchant longuement sur les chemins de côte, accompagné du fidèle Poly qui portait chevalet, tubes et pinceaux...